12° Edición Premios UBA 2018
Al cierre del año pasado el sitio de la Cátedra resultó ganador de la 1ra Mención en la categoría «Blog Educativo» de los Premio UBA a la divulgación de contenidos educativos en medios periodísticos nacionales.
Es una gran alegría para nosotros este reconocimento y refuerza nuestro compromiso de seguir produciendo contenidos enfocados en las problemáticas de diseño que nuestros alumnos enfrentan clase a clase en nuestros talleres.
La noticia completa, aquí.
Un retrato de quien no está
Por Leandro Cerliani
Estás Polaroids conforman un universo gráfico.
Las imágenes dispuestas más arriba constituyen piezas de un mosaico que representa a uno o varios personajes que habitaron un mundo distante, peligroso y maravilloso a la vez. El sentido de las fotos está en lo que muestran pero también en lo que no. Son lo que sugieren y lo que esconden. ¿Cómo habrán sido los habitantes de ese mundo? ¿Qué sentían? ¿Qué sería un problema o una victoria para ellos?
Fotografiar puede ser observar un objeto, analizar su forma y entender su contexto para disparar un mensaje. Y no necesariamente un mensaje literal, traducible a palabras: bien puede ser una sensación o un sentimiento. Algo que despierte en el observador una reacción mental y física que le permita reconstruir aquello que la imagen no muestra: la presencia de un aroma, la vibración de un sonido.
Según Roland Barthes el objeto adquiere sentido cuando se torna social. No existe un objeto neutro de sentido, todo lo que nos rodea carga con el peso de la connotación. Entonces, lo que vemos a través de estas imágenes no es solo, por ejemplo, un teléfono: es mucho más que la limitada cantidad de materia que lo compone y la función para la que fue fabricado.
Además la manera en que cae la luz, la textura de la impresión, el clima visual generado por el artista aportan a la construcción de sentido. No estoy viendo LA realidad, estoy viendo SU realidad. Y dentro de nuestras mentes se formarán diversas respuestas a todos los interrogantes nacidos a partir de lo visto.
El artista en cuestión es Robert Mapplethorpe quién retrató como nadie la New York de los 70 y 80. Nació en un barrio de Queens y se crío bajo una educación católica tradicional. Estudió arte en el Pratt Institute cerca de Brooklyn donde recibió diversas influencias, como la del trabajo de Marcel Duchamp. Hizo base en el mítico Hotel Chelsea y, con Patty Smith a su lado, fotografió de manera pasional y desprejuiciada lo que ocurría en su vida: la falta de dinero para producir arte (a veces, incluso, para comer), la experimentación formal en busca de un lugar en la escena artística, el homoerotismo y el S&M, los valores religiosos en contraposición con la experimentación sexual. Todo esto en el ambiente más efervescente y bohemio que pueda imaginarse. Mapplethorpe no era un visitante documentando desde afuera, ese era su mundo. Fotos y colleges, sexo, amor, adicciones, belleza, HIV, búsqueda, decadencia, consagración: todo eso y más fue su vida.
Siendo peligrosamente reduccionista hay dos grandes etapas del trabajo fotográfico de Mapplethorpe: Polaroid y Hasselblad, haciendo referencia al tipo de cámara e imágenes que cada una producía. En este caso el foco está puesto en la primera porque la Polaroid, portátil e instantánea, le permitió plasmar su mirada de lo cotidiano de una forma inmediata y lúdica: nos permiten reconstruir parte su vida sin haber estado allí.
La intención de dejar toda referencia temporal y espacial para el final del texto tuvo su intencionalidad: el ordenamiento de las imágenes fue algo antojadizo y seguramente la relectura que hagan ahora de las fotos cambie, al menos un poco. Ya no es cualquier lugar, ya no remiten a cualquier año. Las imágenes hablan del artista y de las personas y paisajes que le dieron forma a su vida. Y es en nuestro ejercicio donde debemos ser capaces de algo similar: construir con imágenes (y con la ausencia de ellas) el perfil de un personaje al que no conoceremos jamas.
Busco la perfección de la forma. Lo hago con los retratos.
Lo hago con pijas. Lo hago con flores.
Robert Mapplethorpe
Bibliografía
Polaroids: Mapplethorpe. Sylvia Wolf, ed. Preztel (2007)
Brochure de la muestra «Robert Mapplethorpe, Eros and Order», MALBA (2010)
Mapplethorpe Fundation: www.mapplethorpe.org/
La semántica del Objeto. Roland Barthes.
Composición, tema: la grilla
“La composición es la subordinación interior funcional de 1) los elementos aislados y 2) la construcción, al objetivo pictórico total”
Vassili Kandinsky, Punto y Línea sobre el Plano (1926)
Nuestro trabajo fotográfico implica algunas complejidades que exceden el ámbito de la producción de imágenes y se relacionan directamente con su disposición en el espacio: cuestiones de escala (variedad de tamaños), de “montaje” (el sentido que se genera al colocar una imagen al lado de la otra) y de estructura.
Las fotografías no van a estar ubicadas azarosamente sobre un plano sino que van a conformar una composición de elementos ordenados. Ese orden va a determinar varias cosas: recorrido visual, puntos de tensión y accesos visuales para la lectura. Y es justamente en este punto, donde hay que diseñar como se va a leer el trabajo como totalidad, cuando tenemos que valernos de la grilla o retícula como elemento ordenador.
Grilla: esqueleto y elemento de comunicación.
Tomando los conceptos de Josef Müller-Brockmann, maestro del a grilla tipográfica, podemos decir que la grilla es “la subdivisión de un espacio bidimensional o una superficie tridimensional en campos o espacios a modo de reja”. Es el andamiaje invisible (o “no-gráfico”) que sostiene una puesta en página. En nuestro caso, el alto de esos campos no va a estar determinado por el número de líneas de un texto sino que dependerá del tamaño mínimo de nuestras imágenes. La separación vertical y horizontal entre los campos también es un valor constante y que, al verse modificado podría alterar, para bien o para mal, la forma en que es leído un trabajo: recuerden que según la Ley de Proximidad los elementos más cercanos tienden a verse agrupados.
Como este trabajo no es tipográfico ya habrán notado que nuestra retícula es un poco más permisiva que la de Müller-Brockmann ya que, en la mayoría de los casos, no habrá un módulo rector (en general, las imágenes no fueron trabajadas proporcionalmente), pero sí habrá estructura que contenga y ordene las imágenes. La grilla tipográfica nos sirve de ejemplo justamente por su función ordenadora: cual imagen se leerá primero, cual se leerá después. El diseño de jerarquías visuales está íntimamente ligada a ella. El lugar donde estará ubicado el plano general lejano del barrio, donde ubicar una pequeña serie de repeticiones de objetos cotidianos, entre cuales fotos colocar esa textura de óxido que tanto costó encontrar.
La grilla va a determinar la morfología de su sistema visual y esa totalidad también cuenta, comunica, transmite información y sensaciones. Piet Mondrian, pintor miembro de DeStijl y fundador del neoplasticismo, vislumbró el valor de la grilla y su belleza matemática, su forma de representación no figurativa era el canal adecuado para indagar en la esencia del arte y su relación con la vida misma.
Efectos colaterales
Cada foto va a ser vista / leída de manera individual pero también en relación a las que la preceden y la anteceden, incluso a las que la rodean. Para ser conscientes de este fenómeno por el cual una imagen puede ver alterado su sentido por otras, “tomemos prestado” del lenguaje cinematográfico el experimento de montaje realizado por Lev Kuleshov a partir del cual el cineasta ruso estableció, allá por la segunda década del Siglo XX, que una misma toma puede interpretarse de manera diferente en función de la toma siguiente. Esa alteración en el sentido de una toma que se da en la mente del observador, en las condiciones antes descriptas, se conoce como el Efecto Kuleshov.
Volver al principio
Retomando la cita que encabeza el artículo, la totalidad de cada trabajo constituye una composición y va a ser vista como tal. Además, la disposición de las imágenes en un espacio diseñado (léase, “la grilla”) va a establecer no solo jerarquías y niveles de lectura sino también un recorrido visual. De ese ordenamiento también nacerán múltiples sentidos por la manera en que una imagen se relaciona con sus vecinas más próximas: la determinación de esos sentidos también es trabajo del diseñador.
Bibliografía
- Sistemas de Retículas. Un manual para diseadores gráficos, Josef Müller-Brockmann. Ed. GG.
- Punto y Línea sobre el Plano. Vassili Kandinsky.
Bienal FADU | Historietas desde la FADU: diseñando experiencias de lectura
En el marco de la 3ra Bienal de Diseño estaremos realizado una puesta en común con el Dr. James Scorer de la Universidad de Manchester y su equipo de investigadores. Con la coordinación de la Dra. Laura Vazquez (FSOC – UBA / Conicet) James recorre Buenos Aires para su proyecto «Comics and the Latin American City: Framing Urban Communities» documentando las diversas formas en que la Historieta se hace presente en nuestra ciudad y viceversa: estudios académicos, mercado editorial, edición independiente, eventos especializados y un «etcetera» casi inabarcable.
Para conocer más en detalle sobre su proyecto, pueden visitar su sitio web.
Es un gusto para nosotros presentar un recorrido por toda nuestra historia produciendo historietas con nuestros alumnos desde hace más de diez años: desde el formato de página más tradicional hasta el concepto de Historieta Expandida que venimos desarrollando en los últimos cuatrimestres.
Los esperamos el Viernes 18 de Agosto, 19hs, Taller 306
FADU – UBA.
+ Info, en el sitio de BDSÑ: www.bienal.fadu.uba.ar/viernes-noche
GIF animado: mi vida es un loop
Graphics Interchange Format
El GIF nace en 1987 ante la necesidad de dotar de color a las imagenes web, sin incrementar demasiado su peso, para que los modem dial-up las pudieran descargar con facilidad. Este formato también permitiría hacer animaciones livianas debido a la limitada paleta de 256 colores y una compresión muy alta. Y cabe destacar también la capacidad del gif de soportar trasparencias. Con la aparición del Flash y la posibilidad de hacer animaciones de mejor calidad el gif animado casi quedó en desuso pero la historia da revancha: el uso web de Flash hoy (afortunadamente) está descartado mientras que los gif animados retomaron su fuerza de la mano de artistas, diseñadores, eternos nostálgicos y usuarios varios que se valen de su simplicidad para crear diversas imágenes: desde memes humorísticos hasta botones para algún sitio web.
Justamente, dentro de esa simplicidad es donde reside la fuerza del gif animado como elemento gráfico. Además, la posibilidad de loop (reproducción infinita) permite jugar con el Tiempo como elemento narrativo además de abrir las chances a la creación de microrelatos. Lo que en principio parece un limitante ortoga un marco lúdico ideal para la creación de acciones o pequeñas historias.
Toda esta innovación también dio lugar al desarrollo de un, vamos a llamarlo, movimiento estético conocido como Pixelart: esencialmente, dibujar con píxeles. Tomando como base esta unidad gráfica mínima (el píxel), una cantidad de colores acotada y la aplicación de la síntesis gráfica para representar “la realidad”, se pueden crear infinidad de universos. Basta con ver algunos ejemplos de Pixelart como para darse cuenta que no existe nada de básico o limitado en este recurso: solamente conociendo “las reglas del juego” podrás explotarlas a tu favor.
It’s Alive!
Ya hemos dejado en claro que “animar” no es mover dibujos de acá para allá, sino que debemos ser capaces de imprimirle vida (verosimilitud) a nuestros objetos, personajes y fondos. Los doce principios de la animación (2) son fundamentales para cumplir con este objetivo tan complejo de Dar Vida a nuestros diseños: 1) Estirar y encoger, 2) Anticipación, 3) Puesta en escena, 4) Animación directa y Pose a pose, 5) Acción complementaria y Acción superpuesta, 6) Acelerar y desacelerar, 7) Arcos, 8) Acción Secundaria, 9) Timing, 10) Exageración, 11) Dibujo Sólido, 12) Atractivo. En el siguiente video pueden ver de manifiesto la importancia de cada uno de los items al momento de animar.
Sprites, donde todo esto converge
Los sprites (duendecitos, en inglés) son mapas de bits que se dibujan en una pantalla. Pero sin entrar en cuestiones técnico-tecnológicas más complejas sobre su naturaleza digamos que un sprite es una imagen en donde se “descompone” el movimiento de un objeto o personaje para generar una pequeña animación. Haciendo un detallado estudio del movimiento que quiero representar puedo hacer que mis tipitos salten, vuelen o se transformen de manera creible y expresiva. Está técnica se volvió un standard en la industria de los video juegos y cualquier señor/a criado en los 80 y 90 al calor de los 8 y 16-bits los sabrá reconocer: desde los fichines (Pac-Man, Out Run, Streetfighter) hasta las consolas y computadoras hogareñas, todos se valían de los sprites para generar la ilusión de movimiento de sus personajes.
¿Qué se puede aprender de todo esto?
Los principios técnicos que atravisan nuestra consigna, sin importar el partido estético de su trabajo, son los mismos: GIF animados, bien animados. Poner a prueba los límites del formato gif nos evitará sorpresas a la hora de concretar un partido estético determinado: cómo explotar al máximo la limitada paleta de colores para crear un universo coherente y verosimil, por ejemplo. El pixelart presenta de manera explícita la importancia de la síntesis gráfica, sin importar el punto de vista que tomemos para dibujar (planos, vistas isométricas, hasta podemos pensar en el Sistema Monge, visto por casi todos nosotros en el CBC). Mientras que los sprites nos enseñan la importancia del estudio del movimiento y la fragmentación del mismo para, Persisitencia Retiniana mediante, logremos (re)crear una acción. ¿Y si estoy usando fotografías y no dibujos? Caben las mismas aclaraciones: la forma de comprimir las fotos que tiene el formato GIF nos obliga a pensar previamente como vamos a manipular esas imágenes, es decir, debemos explorar de antemano la tecnología con la que vamos a trabajar y hacerla funcionar a nuestro favor. En sí, el viejo y querido proceso proyectual (Bruno Munari, gracias por tanto).
Notas al pie
(1) Ver video de Los Simpsons completo.
(2) Además le video, pueden ver los 12 principicios y sus respectivos gif animados, en este link.
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Apuntes sueltos sobre el Situacionismo
Por Pablo Strozza
“We want the World and we want it… now!” (The Doors, “When The Music’s Over”, Strange Days, 1967) / “Seamos realistas: pidamos lo imposible” (slogan de la revuelta parisina de mayo de 1968)
Antecedentes: La Internacional Letrista – Sus presentaciones en sociedad
Domingo 9 de abril de 1950, Pascua, Catedral de Notre-Dame. Cuatro jóvenes (uno de ellos vestido de sacerdote) interrumpen la misa y leen el siguiente sermón:
“Hoy Día de Pascua del Año Santo
Aquí
En la insigne iglesia de Notre-Dame
Acuso
A la Iglesia católica universal de haber desviado letalmente
Nuestra fuerza vital hacia un cielo vacío
Acuso
A la Iglesia católica de estafa
Acuso
A la Iglesia católica de infectar el mundo con su moralidad fúnebre
De ser la llaga que se extiende en el cuerpo descompuesto de Occidente
En verdad les digo: Dios ha muerto
Vomitamos la agonizante insipidez de sus plegarias
Pues sus batallas han sido el humo pringoso de los campos
De batalla de nuestra Europa
Sumérjanse entonces en el trágico y exaltante desierto de un mundo
Y labren esta tierra con sus manos desnudas
Con sus manos sin plegarias
Hoy día de Pascua del Año Santo
Aquí en la insigne iglesia de Notre-Dame de Francia
Proclamamos la muerte de Cristo-dios, para que el hombre
Pueda vivir por fin”
Fue detenido sólo el que estaba disfrazado de cura, por potación de vestuario.
29 de octubre de 1952. Charles Chaplin llega a París a promocionar Candilejas. En las afueras del lugar donde se iba a realizar la conferencia de prensa, los letristas difundían el siguiente panfleto:
No más pies planos
Subdirector de Mack Sennett, subactor con Max Linder, Stavisky de las lágrimas de las madres solteras de los pequeños huérfanos de Auteuil, todo eso sos vos, Chaplin, chantajista emocional, nuestro cantor de la desgracia.
El cameraman necesitaba de su Delly. Es sólo a él que les has dado tus obras, y tus buenas obras: tus caridades.
Porque te has identificado con el débil y el oprimido, atacarte a vos ha sido atacar al débil y al oprimido, pero en la sombra de tu bastón de junco algunos podían ver la porra de policía.
Vos sos “el que pone la otra mejilla” -la otra mejilla del culo-, pero para nosotros, jóvenes y hermosos, la única respuesta al sufrimiento es la revolución.
No nos tragamos las “absurdas persecuciones” que te convierten en víctima a vos, Max de Veuzit de pies planos. En Francia, el Servicio de Inmigración se hace llamar Agencia de Publicidad. Del tipo de conferencias de prensa que diste en Cherburgo no podían salir más que bobadas. No tenés nada que temer del éxito de Candilejas.
Andate a dormir, insecto fascista. Agarra la guita que ganaste. Relacionate con la alta sociedad (te adoramos cuando arrastraste la barriga delante de la pequeña Isabel). Morite pronto: te prometemos un funeral de primera clase.
Rezamos para que tu última película sea realmente la última.
Las luces de los focos han derretido el maquillaje del así llamado brillante mimo y dejaron en descubierto al viejo siniestro y transigente.
Váyase a su casa, señor Chaplin.
La Internacional Letrista: Serge Berna, Jean L. Brau, Guy-Ernest Debord, Gil J. Wolman.
La Internacional Situacionista
Fundada en 1957, difundía sus actividades a través de una revista llamada I.S. Su primera declaración de principios fue declarar a la cultura como un cadáver ambulante, a la política como una caseta de feria, a la filosofía como una lista de doctrinas pasadas de moda, a la economía como un truco, a los derechos legales una renuncia, al arte como merecedor sólo de robos y a la libertad de prensa como a un límite consensual del discurso entre lo real y lo posible.
La deriva y la psicogeografía
Dos conceptos que van de la mano o, mejor dicho, leer la deriva como una de las estrategias de la psicogeografía. Las definiciones situacionistas:
Psicogeografía: estudio de los efectos del medio geográfico, ordenado conscientemente o no, actuando directamente sobre el comportamiento de los individuos.
Para aumentar la idea de psicogeografía, bien vale la mirada de la Asociación Psicogeográfica de Londres (APL): “La psicogeografía es universalismo con actitud. Es el universalismo que no busca expresarse mediante palabras, que se mantiene sólo como una sinopsis de lo salvaje. La psicogeografía investiga la intersección entre el tiempo y el espacio, y así ataca a la ciencia en su punto más débil -la repetición mecánica de resultados. La psicogeografía es la universalidad de lo específico, de lo particular en su punto de disolución. La psicogeografía se sitúa a sí misma por fuera de la democracia. No busca recrear el proceso mediante el cual la experiencia diaria es tamizada para poder ser reproducida como una telenovela, un programa político o un ensayo de doctorado para la facultad. No es una inmersión en la vida privada de la esfera social, sino una invasión a la esfera pública por parte de pasiones que de otra manera se encontrarían confinadas al mundo privatizado del individuo atomizado. Mientras que la democracia busca crear una síntesis de los deseos de los ciudadanos, la psicogeografía es uno de sus polos antitéticos que se torna consciente del conflicto que existe entre nuestro idealizado rol como ciudadanos y la subjetividad que se deriva de las condiciones materiales de nuestra vida. Al suspender el ‘sentido común’ mientras nos movemos de un lugar a otro en nuestra vida diaria, podemos redescubrir el aspecto salvaje de la ciudad. Al explorar aquellas áreas en las cuales no tenemos ninguna buena razón para estar, podemos descubrir las razones que nos constriñen a frecuentar solamente ciertas áreas”.
En estas últimas dos oraciones están las claves. El hecho de evitar ciertos trayectos y prácticas habituales (el hecho de reemplazar el colectivo por la bicicleta y evitar las avenidas para unir los mismos dos puntos de inicio y fin de un recorrido) ya modifica el paisaje. Es interesante el también la salida de lugares turísticos o tradicionales en función a conocer otras áreas de la ciudad. ¿Por qué el Barrio Chino de Belgrano tiene su glamour, y no así el Barrio Coreano de Flores, si ambos pertenecen a colectividades de origen oriental? La ubicación geográfica y su connotación de clase social es la única respuesta posible al respecto.
Deriva: modo de comportamiento experimental ligado a las condiciones de la sociedad urbana. Técnica de paso apresurado a través de ambientes variados. Se usa también, más particularmente, para designar la duración de un ejercicio continuo de esta experiencia.
La Teoría de la Deriva de Debord (documento de 1958) amplía esta noción: “El concepto de deriva está ligado indisolublemente al reconocimiento de efectos de naturaleza psicogeográfica, y a la afirmación de un comportamiento lúdico-constructivo, lo que la opone en todos los aspectos a las nociones clásicas de viaje y de paseo. Una o varias personas que se abandonan a la deriva renuncian durante un tiempo más o menos largo a los motivos para desplazarse o actuar normales en las relaciones, trabajos y entretenimientos que les son propios, para dejarse llevar por las solicitaciones del terreno y los encuentros que a él corresponden. La parte aleatoria es menos determinante de lo que se cree: desde el punto de vista de la deriva, existe un relieve psicogeográfico de las ciudades, con corrientes constantes, puntos fijos y remolinos que hacen difícil el acceso o la salida a ciertas zonas. Pero la deriva, en su carácter unitario, comprende ese dejarse llevar y su contradicción necesaria: el dominio de las variables psicogeográficas por el conocimiento y el cálculo de sus posibilidades. Bajo este último aspecto, los datos puestos en evidencia por la ecología, aun siendo a priori muy limitado el espacio social que esta ciencia se propone estudiar, no dejan de ser útiles para apoyar el pensamiento psicogeográfico. El análisis ecológico del carácter absoluto o relativo de los cortes del tejido urbano, del papel de los microclimas, de las unidades elementales completamente distintas de los barrios administrativos, y sobre todo de la acción dominante de los centros de atracción, debe utilizarse y completarse con el método psicogeográfico. El terreno pasional objetivo en el que se mueve la deriva debe definirse al mismo tiempo de acuerdo con su propio determinismo y con sus relaciones con la morfología social”.
Noten que Debord habla de ecología… ¡en 1958! Y no de la ecología de multinacionales disfrazadas de ONGs como Greenpeace sino de la ecología inherente al ser humano. Porque salvar a las ballenas es correcto, ¿pero no lo es más salvar a los millones de niños que se mueren de hambre? Asimismo, la mirada sobre los “cortes del tejido urbano” y “los barrios administrativos” va de la mano. Como cambia la mirada de la City bancaria entre los horarios de oficina (una multitud enajenada la recorre) y la noche (es el lugar preferido de mendigos y homeless, paradójicamente, por la seguridad que les brinda a los mendigos el poder dormir en calles protegidas por seguridad privada. Y como vuelve a cambiar ese paisaje los fines de semana.
Debord fue un gran caminador de París. De allí se desprende el documento de 1953 Adornos racionales para la ciudad de París y sus propuestas delirantes:
– Abrir el metro por la noche después de que los trenes dejen de pasar. Mantener los pasillos y los túneles pobremente iluminados por medio de luces que sean débiles e intermitentes.
– Mediante una meticulosa redisposición de las salidas de incendios, y la creación de aceras allí donde sea necesario, abrir los tejados de París para pasear.
– Dejar los jardines públicos abiertos por la noche. Mantenerlos a oscuras (en algunos casos, una débil iluminación puede justificarse bajo consideraciones psicogeográficas).
– Poner interruptores en las farolas callejeras a fin de que la iluminación pueda ser controlada públicamente.
– Debord se declara a favor de la total destrucción de los edificios religiosos de todas las creencias (no quedaría ningún rastro, y esos espacios serían utilizados con otros fines).
– Wolman propone que las iglesias sea conservadas pero vaciadas de toda significación religiosa. Deben ser tratadas como edificios normales y se debe permitir que los niños jueguen en ellas.
– Michele Bernstein insiste en que las iglesias sean parcialmente destruidas, de modo que las ruinas no revelen nada de sus fines originales. La solución perfecta sería arrasar las iglesias y construir ruinas en su lugar. La primera de esas dos soluciones se propone simplemente a efectos prácticos.
– Jacques Fillon quiere convertir a las iglesias en casas encantadas (utilizar sus ambientes normales, acentuando el aspecto provocador de pánico).
– Mantener las estaciones de trenes tal cual están. Su fealdad bastante conmovedora es un gran aporte a la atmósfera del viaje y proporciona ese leve atractivo que poseen esos edificios. Wolman exigía la completa supresión o falsificación de toda información acerca de salidas, destinos, horarios, etc., esto favorecería la deriva. Acentuar el ambiente sonoro de las estaciones suministrando, a través de la megafonía, información de salidas y llegadas de varias estaciones, y también de varios puertos.
– Supresión de los cementerios. Total destrucción de cadáveres y tumbas: no debería quedar ni cenizas ni rastros. Prestar atención a la propaganda reaccionaria la cual, a través de las asociaciones de ideas más elementales, representa este repugnante vestigio del pasado alienante.
– Abolición de los museos, y redistribución de las obras maestras en bares.
– Libre e ilimitado acceso a las cárceles para todos. Permitir que la gente las utilice para ir de vacaciones. Ninguna discriminación entre visitantes y prisioneros. Para mayor diversión, sorteos mensuales a fin de escoger a los visitantes que serán condenados a pasar un plazo determinado de tiempo en la cárcel.
Ejemplos prácticos: el diseño geográfico de París para favorecer el traslado de tropas militares ante un eventual ataque enemigo (“La necesidad de disponer de espacios libres que permitieran la rápida circulación de tropas y el empleo de la artillería contra las insurrecciones estuvo en el origen del plan de embellecimiento urbano adoptado por el Segundo Imperio. Pero desde cualquier punto de vista salvo el policial, el París de Haussmann es una ciudad construida por un idiota, llena de ruido y furia, que nada significa. Hoy, el principal problema del urbanismo es el resolver la correcta circulación de una cantidad rápidamente creciente de automóviles. Podemos pensar que el urbanismo venidero se aplicará a construcciones, igualmente utilitarias, que concedan la mayor consideración a las posibilidades psicogeográficas”, Guy Debord, Introducción a una crítica de la geografía urbana, 1955, escrito inspirado en Formulario para un nuevo urbanismo de Ivan Chtcheglov, “texto que de forma encubierta utiliza una lenguaje masónico tanto en su título como en sus contenidos, así, Chtcheglov creó los fundamentos para el uso esotérico, por parte de los situacionistas, de la imaginería arquitectónica y geográfica” según cuenta el neoísta inglés Stewart Home en Marx, Satán y Cristo, unidos por la misma lucha ); Le Cobusier como el gran enemigo (la ciudad radiante versus la ciudad como un escenario y la cita “una casa es una máquina para habitar”); la destrucción de lo “sagrado” en la ciudad (la película London Orbital de Chris Petit y Iain Sinclair, de neto corte neoista, y el recorrido por la autopista M25 de Londres, a pie y en auto, y la actualidad de la casa donde vivió el Conde Drácula, hoy una fábrica de jabones); los tours turísticos sobre la leyenda de Jack The Ripper (“De igual manera que el Frente de Liberación Gay devino en moda gay, los Panteras Negras fueron reemplazados por el Islam y las ilusiones de Mao, por la Bolsa de Comercio de Shangai; la integración de un espacio psicosocial no euclideano en las mecánicas post newtonianas es enfrentado por una oposición anti euclideana que volverá a encender los fuegos de la revuelta con los fósforos de la metáfora. La psicogeografía ofrece el tercer polo entre el falso universalismo de la modernidad y la universal virtualidad de la postmodernidad”, según dice la APL.).
La sociedad del espectáculo
Libro de Debord de 1967, fue el impulsor del Mayo Francés. Varios de sus conceptos son “remixes” de El Capital de Karl Marx. Algunos ejemplos:
“Toda la vida de las sociedades donde se rigen las condiciones modernas de producción se manifiesta como una enorme acumulación de espectáculos. Todo lo que antes se vivía directamente se aleja ahora en una representación” (“La riqueza de las sociedades en las que domina el modo de producción capitalista se presenta como un enorme cúmulo de mercancías”)
“El espectáculo no es un conjunto de imágenes, sino una relación social entre personas mediatizadas por imágenes” (“El capital…”).
Otras citas de LSDE
“En un mundo realmente invertido, lo verdadero es un momento de lo falso” (la vida 2.0, la “necesidad” de documentar todos los actos de nuestra vida en Internet vía Twitter y Facebook)
“El espectáculo se presenta como una enorme posibilidad indiscutible e inaccesible. Dice solamente que ‘lo que aparece es bueno y lo que es bueno aparece’. La actitud que exige por principio es esa aceptación pasiva que de hecho ya ha obtenido su modalidad de aparecer sin réplica, por su monopolio de la apariencia” (“Para el sociólogo Daniel Bell en Las contradicciones culturales del capitalismo, las exageraciones de la modernidad cultural ocasionaron una ruptura en la tradición norteamericana y trastocaron los comportamientos que habían proyectado los fundadores de la nación. Semejante inversión histórica contravenía aquel dieciochesco emblema ético: vicios privados, virtudes públicas. La sociedad norteamericana se había desviado sospechosamente en los últimos tiempos y los daños de la vida cultural se habían diluido en todas las esferas de la sociedad, incluída la política. En una frase: los vicios se habían vuelto públicos, y las virtudes -acorraladas ante la expansión del modo de vida cultural- privadas”, Más acá del Bien y del Mal: El espejo cubano de la posmodernidad, Iván de la Nuez, 1991).
“A medida que la necesidad resulta socialmente soñada, el sueño se hace necesario. El espectáculo es la pesadilla de la sociedad moderna encadenada que -en última instancia- no expresa sino su deseo de dormir. El espectáculo es el guardián de ese sueño” (nuevamente la idea de inversión de la realidad, el “pienso luego existo” transformado en “estoy conectado, existo”).
Ejemplos pasados: La revuelta parisina de mayo de1968 y sus slóganes inspirados en el situacionismo: “Prohibido prohibir”, “Debajo de los adoquines está la playa”). Y la respuesta tras la evacuación de Charles De Gaulle en la TV, el 7 de junio de 1968: “Esta explosión ha sido provocada por algunos grupos que se revuelven contra la sociedad moderna, contra la sociedad de consumo, contra la sociedad mecánica, sea comunista al Este o capitalista al Oeste. Grupos por otra parte que no saben en absoluto por qué la reemplazarán, pero que se deleitan en la negación, en la destrucción, en la violencia, en la anarquía, que enarbolan la bandera negra”. Y, también, el fracaso de la Comuna parisina de 1848 (los revolucionarios intentaron quemar Notre-Dame, pero no tomar el Banco de París desoyendo la idea de Bertolt Brecht, “¿Qué es el robo de un banco en comparación con fundar uno?»).
Final resignificado
El inglés Malcolm McLaren intentó de manera fallida ser parte del Mayo del 68, más allá de sus simpatías con Guy Debord. Junto con Christopher Grey, apoyó la publicación de la antología de textos situacionistas Leaving the 20th Century en el Reino Unido. Tras haber sido manager en 1974 de grupo de glam rock estadounidense New York Dolls (“No podía creer que fueran tan malos… Los Dolls eran algo maravilloso. Pensé en lo magnífico que era ser tan malo”), decidió exportar eso a su patria, que tenía récords de desocupación y un creciente crecimiento de la extrema derecha. Entonces, reclutó a dos ladrones juveniles (Steve Jones y Paul Cook), un músico (Glen Mattlock) y a un cantante decidido a hacer historia por su talento propio (John Lydon, alias Johnny Rotten). Y la primera declaración pública de esta banda llamada Sex Pistols fue “No estamos en la música: estamos en el caos”. Para el crítico estadounidense Greil Marcus, esta frase situacionista fue el germen de la relación entre el punk y Debord y compañía; para el ya citado Stewart Home, todas esas analogías son puras patrañas. Pero esa, claro está, es otra historia.